LONGITUDES

Longitudes cuts across Latitudes’ projects and research with news, updates, and reportage.

Exposición de Joan Morey ‘COLAPSO. Máquina célibe’ en el Casal Solleric, Palma de Mallorca, 31 enero–3 mayo 2020

Joan Morey, ‘COS SOCIAL. Lliçó d'anatomia’ (2017), film, 50 minutos. Obra producida por la Red de Centros de Artes Visuales de Cataluña, Arts Santa Mònica, Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y LOOP Barcelona, con la colaboración de la Real Academia de Medicina de Cataluña y Hangar Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales (Barcelona). Cortesía del artista.

A partir del 31 de enero 2020, Casal Solleric en Palma de Mallorca acogerá la primera retrospectiva de Joan Morey (Sant Llorenç des Cardassar, 1972) en su Mallorca natal. La exposición ‘COLAPSO. Máquina célibe’ es una adaptación del proyecto que el artista presentó simutáneamente en tres sedes de la ciudad condal entre septiembre 2018 y enero 2019 [1] y se podrá visitar hasta el 3 de mayo 2020.

Las majestuosas salas dieciochescas de la planta noble y el patio columnado del Casal Solleric acogerán una selección de seis proyectos producidos entre 2007 y 2017 desarrollados mediante el lenguaje artístico de la performance, así como un programa continuado de ocho piezas de audio: grabaciones de lecturas dramatizadas realizadas en vivo en el marco de performances o bien utilizadas como bandas sonoras de exposiciones previas.  


Joan Morey, COS SOCIAL. Lliçó d'anatomia (2017), film, 50 minutos. Obra producida por la Red de Centros de Artes Visuales de Cataluña, Arts Santa Mònica, Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y LOOP Barcelona, con la colaboración de la Real Academia de Medicina de Cataluña y Hangar Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales (Barcelona). Cortesía del artista.

Joan Morey ha producido un extenso conjunto de performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras y gráficas que, desde finales de los años noventa, explora la intersección entre teatro, cine, filosofía, sexualidad y subjetividad. 

Su práctica aúna tres géneros fundamentales del arte contemporáneo: la performance (a través de escenarios que se desarrollan en el tiempo, en los que habitualmente participan cuerpos humanos y el propio público), la apropiación (tomando y reformulando textos, formas y estilos ya existentes, ya sea de fuentes literarias, clásicas o de la subcultura) y la crítica institucional (con la que examina y aborda las ideologías y el poder de nuestras instituciones sociales, culturales y políticas).

Joan Morey, ‘POSTMORTEM. Pour en finir avec le jugement de Dieu’ (2006–2007). Reenactment de fragmento de performance, exposición ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’ (2018–19), Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, 27 septiembre 2018. Foto: Noemi Jariod. Cortesía del artista.

Joan Morey, ‘LLETANIA APÒRIMA’ (2009). Reenactment de fragmento de performance, exposición ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’ (2018–19), Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, 11 octubre 2018. Foto: Noemi Jariod. Cortesía del artista.
 
Joan Morey, ‘GRITOS Y SUSURROS. Conflicte dramatic cinquè (ambos l’obra d’art)’, 2009. Inter by Carme Callol and Tatin Revenga. Reenactment de fragmento de performance, exposición ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’ (2018–19), Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, 25 octubre 2018. Foto: Noemi Jariod. Cortesía del artista.
 
Joan Morey, ‘BAREBACK. Fenomenología de la comunión’ Reenactment de performance, exposición ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’ (2018–19), Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, 15 noviembre 2018. Foto: Noemi Jariod. Cortesía del artista.
 
Joan Morey, ‘IL LINGUAGGIO DEL CORPO’, 2015. Reenactment de fragmento de performance, exposición ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’ (2018–19), Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, 29 noviembre 2018. Foto: Noemi Jariod. Cortesía del artista.
 
Joan Morey, ‘TOUR DE FORCE. El cos utòpic’ (2017). Reenactment de fragmento de performance, exposición ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’ (2018–19), Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, 13 diciembre 2018. Foto: Noemi Jariod. Cortesía del artista.
 

Joan Morey, ‘COLAPSO. Máquina esquizofrénica’ nueva performance site-specific, prisión la Modelo, Barcelona, 10 enero 2019. Foto: Noemí Jariod. Cortesía del artista.

El recorrido se inicia con uno de sus más recientes trabajos: la “performance para pantalla” ‘COS SOCIAL. Lliçó d'anatomia’ (2017), que actúa como eje conceptual de la exposición, y que obtuvo el Premio de Videocreación de la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya, Arts Santa Mònica, el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya y LOOP Barcelona. Ésta y la performance ‘TOUR DE FORCE’ (2017), también incluída en la exposición, le valieron el Premi Ciutat de Barcelona d'Arts Visuals 2017.

La exposición ‘COLAPSO. Máquina célibe’ en Casal Solleric está comisariada por Latitudes y producida por la Dirección General de Artes Visuales de la Concejalía de Cultura y Bienestar Social del Ajuntament de Palma, con el apoyo del Centre d'Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats, la Xarxa de Centres d'Arts Visuals de Catalunya, Arts Santa Mònica, el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y LOOP Barcelona.


[1] ‘COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo’, Centre d’Art Contemporani de Barcelona - Fabra i Coats (del 20 de septiembre de 2018 al 13 de enero de 2019); ‘COLAPSO. Cuerpo social’, Centro de Arte Tecla Sala (L’Hospitalet de Llobregat, del 15 de noviembre de 2018 al 13 de enero de 2019), y ‘COLAPSO. Máquina esquizofrénica’, en la antigua cárcel Modelo (Barcelona, 10 de enero de 2019).

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Max Andrews and Mariana Cánepa Luna in Art Basel Cities: Buenos Aires' Parallel Rooms programme on 13 April 2019


Art Basel Cities: Buenos Aires in collaboration with arteBA Fundación will host a Talks Programme between April 12–14, 2019. Forty-two speakers from across the cultural sphere will discuss salient topics with the Buenos Aires audience. 

Max Andrews and Mariana Cánepa Luna of Latitudes will each participate in Parallel Rooms, an Art Basel programme format that began in 2017 allowing attendees to choose from and roam among multiple conversations happening simultaneously. Check the full events programme here (in Spanish).


Parallel Rooms takes place at arteBA, Pista Central de la Rural, Palermo, and are free and open to the public.


Parallel Rooms | Session 2 | Room 3
"First Things First: Making Exhibitions for a General Audience"

Saturday 13 April 2019
6:30
7:30pm

In this conversation, curators Max Andrews and Lara Marmor will discuss the challenges around what has become their primary job: curating and positioning an exhibition for a non-expert audience. Together they discuss: Are there curatorial strategies for speaking to a larger public? What can we do to encourage novices to visit an exhibition and help them enjoy it?

This session is free and open to the public and will be held in Spanish.


Parallel Rooms | Session 3 | Room 2
"Beyond the Museum: New Institutional Frames for Art"
Saturday 13 April 2019
7:30—8:30pm


Art is no longer confined to just museums; we can enjoy exhibitions in abandoned buildings, parks, and other unconventional spaces. But the contexts for art are also changing in another sense, as new curatorial narratives shift traditional definitions of art and allow artists to engage in refreshing interactions with the culture at large. In this talk, curators Mariana Cánepa Luna and Solana Molina Viamonte discuss the transformation of traditional art spaces and the evolving relationship between the art lover and the curator.

This session is free and open to the public and will be held in Spanish.
+ info


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‘COLLAPSE. Schizophrenic Machine’ site-specific performance by Joan Morey at the former prison La Model, Barcelona, 10 January 2019

‘Schizophrenic Machine’ site-specific performance by Joan Morey at the former Panopticon-inspired prison La Model, Barcelona, 10 January 2019. © All photographs by Noemí Jariod. Courtesy of the artist.


Schizophrenic Machine’ was the closure of the three-part project ‘COLLAPSE’ by Joan Morey. This new site-specific performance took place on January 10, 2019, in the former prison La Modelo, a location that was kept in secret up until the 113 guests were driven in coaches from either Centre d'art Contemporani - Fabra i Coats, or the Centre d'art Tecla Sala

The audience previously registered to attend the closed-door performance and agreed to comply with the strict dress code. The performance script integrated the 1904 chilling architecture of the prison through voice and technological devices such as drones, surveillance cameras, strobe lighting, and an architecture scanning laser. Each one activated and deactivated the building's memories making ‘Schizophrenic Machine’ be Morey's first performance with no human actors as protagonists. ‘Schizophrenic Machine’ continued Morey's long-standing exploration of power structures and control of the body.



Schizophrenic Machine’ took the physical and discursive past of La Model as a scenario for performance where bodies were not acting and the protagonist was the architecture itself. The Panopticon-inspired prison was inaugurated on June 9, 1904, and was conceived as a model for the Spanish penitentiary system: an example of the reintegration of criminals into society through discipline, isolation and religious morality. La Model was one of the main sites of political repression and social control in the city. Followers of all political persuasion passed through its cells, aside from common criminals, yet during the long totalitarian dictatorship of General Franco (1939–1975), it was especially notorious as a site for the repression of political dissidents. La Model closed on June 8, 2017, 113 years after its inauguration


‘Schizophrenic Machine’ took over the unoccupied building and created a phantasmagoric presence that activated and deactivated its own memory. Conceived as an all-encompassing experience the event took on a singular awareness of the building and the site. The sequential dramatisation of its radial spaces articulated a dystopian representational device. A cast of technological interpreters —voices, sound, lights, cameras, drones and other devices— took the place of performing bodies. Moreover, the panopticon architecture itself seemed to address spectators through a female voice that spoke on the principles of control, power and the paradigm of a surveillance society. La Model became a schizophrenic machine, an imperious disciplinary mechanism for the 21st century. 

Produced by the Contemporary Art Center of Barcelona - Fabra i Coats as the third and final part of the ‘COLLAPSE’ project.





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  • "Joan Morey presenta "Col·lapse. Cos social", programa Taquilla Inversa, L'Hdigital Mitjans de Comunicació de L'Hospitalet, 29 Novembre 2018
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  • Performance programme in the context of Joan Morey's exhibition ‘COLLAPSE. Desiring Machine, Working Machine’ 24 September 2018
  • Maria Palau, "Contra l'abús de poder", El Punt Avui, p. 32, 23 Setembre 2018 (Catalan)
  • Full performance programme
  • NOTA DE PRENSA: ‘Joan Morey. COLAPSO’, diversos espacios, Barcelona, 20 septiembre 2018–13 enero 2019, 19 September 2018
  • Save the date: 19 September at 7pm, opening of the solo show by Joan Morey ‘COLLAPSE. Desiring machine, working machine’, Centre d'Art Contemporani Barcelona - Fabra i Coats, 3 September 2018
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Cover Story–December 2018: "Treasures! exhibitionism! showmanship!"

Latitudes' home page www.lttds.org

The December 2018 Monthly Cover Story "Treasures! exhibitionism! showmanship!" is now up on Latitudes' homepage: www.lttds.org


"A clutch of shows in Vienna (where Latitudes was recently a guest of Art Week) and Amsterdam (which just held its Art Weekend) offer a distinctive take on curatorial liberty and creative exhibition display.

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—> After December it will be archived here.


Cover Stories' are published on a monthly basis on Latitudes' homepage featuring past, present or forthcoming projects, research, texts, artworks, exhibitions, films, objects or field trips related to our curatorial activities.

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  • Cover Story–September 2018: Harald Szeemann’s travel sculpture, 10 September 2018
  • Cover Story–August 2018: Askeaton Joyride, 2 August 2018
  • Cover Story–July 2018: No Burgers for Sale 2 July 2018
  • Save the date: 13 September, 6–9pm. Latitudes-curated exhibition ‘Cream cheese and pretty ribbons!’, Galerie Martin Janda, Vienna, 21 June 2018
  • Cover Story—June 2018: Near-Future Artworlds Curatorial Disruption Foresight Group, 4 June 2018
  • Cover Story – May 2018: Shadowing Roman Ondák, 7 May 2018 
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Cover Story—October 2018: "I can’t take my eyes off you: Eulàlia Rovira and Adrian Schindler"

Latitudes' home page www.lttds.org

The October 2018 Monthly Cover Story "I can’t take my eyes off you: Eulàlia Rovira and Adrian Schindler" is now up on Latitudes' homepage: www.lttds.org


"Eulàlia Rovira and Adrian Schindler’s new performance, "One motif says to the other: I can’t take my eyes off you" took place on 14th September as part of the Latitudes-curated Cream cheese and pretty ribbons! at Galerie Martin Janda, Vienna, an exhibition that also features the talents of David Bestué, Sean Lynch, and Batia Suter. The exclamatory title of the exhibition (which continues until 13 October as part of the curated_by festival synthesises two of the satirist Karl Kraus’s similes for what, writing in 1910, he considered the cultural polarity of monotonous functionality on the one hand and frivolous adornment on the other. Kraus lampooned both the sobriety of Germanic culture and the good taste of Romance culture, yet judged an even greater taboo was to be found in Vienna’s dressing up of the former with the latter." 

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Cover Story–September 2018: Harald Szeemann’s travel sculpture

Latitudes' home page www.lttds.org


The September 2018 Monthly Cover Story "Harald Szeemann's travel sculpture" is now up on Latitudes' homepage: www.lttds.org

"Summer vacations have a habit of turning into busman’s holidays in Latitudes' agenda. Undoubtedly the Swiss curator phenomenon Harald Szeemann (1933–2005) also often sensed or engineered, that trips for pleasure and travel for research and work would inevitably dovetail. Museum of Obsessions, a fascinating but flawed exhibition dedicated to his life and work has just closed at Kunsthalle Bern (it will tour to Kunsthalle Düsseldorf, Castello di Rivoli, and the Swiss Institute, New York)."

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—> After September it will be archived here.

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Iratxe Jaio and Klaas van Gorkum's installation ‘Work in Progress’ in the process of being acquired by ARTIUM, Vitoria-Gasteiz


Above and below: Installation views of "Work in progress" in the exhibition "The Margins of the Factory", ADN Platform, 25 January–30 April 2014. Video (14’ 22”), 739 polyurethane sculptures, and 47 moulds. Produced with support from the Eremuak program of the Basque Government and from Centrum Beeldende Kunst Rotterdam. Courtesy of the artists. Photos: Roberto Ruiz.







We are thrilled to know that Iratxe Jaio and Klaas van Gorkum's installation ‘Work in Progress’ (2013) is in the process of being acquired by ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo in Vitoria-Gasteiz, Basque Country. The piece is on display as part of the exhibition ‘ARTres. El museo como deba ser’ (March 2–August 26, 2018).

Work in Progress’ was one of the two works featured in their solo exhibition "The Margins of the Factory" presented at ADN Platform in January 2014, and curated by Latitudes.






Work in Progress’ immerses itself in the manufacturing industry of Markina-Xemein, the rural Basque village where Jaio comes from. A video documents the mass production of rubber car parts, following the pieces from the assembly line in a worker-owned factory to subcontracted workshops where informal workers finish them by hand.

The artists employed several of these workers to cast hundreds of replicas of small modernist sculptures. These are displayed on mass-produced shelving to evoke the “Chalk Laboratory” of Basque sculptor Jorge Oteiza (1908–2003), a fierce critic of the commodification of art. 

 Exhibition leaflet. PDF downloadable here.

Latitudes previously collaborated with Jaio and van Gorkum in the exhibition cycle ‘Amikejo’ presented throughout 2011 in MUSAC, León, when they exhibited ‘Producing time between other things’ (2011), a work specially produced for the occasion, and also included in the show mentioned above "The Margins of the Factory" in 2014.

—> Photographs of the exhibition.
—> Exhibition leaflet (pdf).
—> Exhibition reviews.
—> Video on ‘Producing time between other things’ (2011)



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Jurado y tutores de Barcelona Producció – Anuncio de los proyectos ganadores temporada 2017–2018

Fotos de Pep Herrero para Barcelona Producció/La Capella.

Después de una intensísima semana de lectura de las 230 solicitudes recibidas, otra semana de debate entre los miembros del jurado y una tercera semana entrevistando a los 31 candidatos pre-seleccionados, el jurado de la temporada 2017–2018 de Barcelona Producció formado por David Armengol, Alexandra Laudo, Mónica Bello, Joan Caselles, Mireia Sallarès y Latitudes junto a Oriol Gual, director de La Capella (con voz, sin voto), ha decidido seleccionar los siguientes 17 proyectos para su producción y presentación a lo largo de la temporada:

Sala Grande – Exposición individual

  • "Synthesis" de David Mutiloa
  • "Talk trouble" de Claudia Pagès
  • "El Gafe i la Revolució" de Dani Montlleó
Sala pequeña – Exposición individual
  • "Remover con una vara de madera" de Matteo Guidi
  • "ARTENGO2000" de Camille Orny y Magda Vaz
  • "SSSSSSSilex" de Paco Chanivet
Sala Gran – Comisariado
  • "A break can be what we are aiming for" de Irina Mutt
Sala pequeña – Comisariado
(Modalidad desierta)

Proyectos deslocalizados

  • "Són els microorganismes els que tindran l’última paraula" de la Associació Cultural Nyamnyam
  • "En frontera" de Marco Noris
Investigación
  • "El Peso de mis Vecinas - La Poesía y el Cante como Dispositivos Estratégicos" de Christina Schultz
  • "El mal alumne. Pedagogia crítica per a intel·ligències artificials" de Taller Estampa
Publicación
  • "The Drowned Giant" de Anna Moreno
Acción en vivo
  • "Chroma" de Quim Pujol
  • "The Reading Room #3 presenta: Aparatos del habla – Materialismo histórico" de Eliana Beltrán
  • "Fine Cherry" de Victoria Macarte
Entornos digitales
  • "Eixams" de Alex Muñoz
  • "Notes on a novel (that I am not going to write), or the swimming pool, or the hair, the herb and the bread or the tomato plant" de Irene Solà
Latitudes tutorizará los proyectos de David Mutiloa (Sala Grande, 18 julio– 25 septiembre 2017), Anna Moreno (Proyecto de publicación, noviembre 2017) y Magda Vaz y Camille Orny (Sala pequeña, 23 enero–1 abril 2018).

La undécima convocatoria introduce varias novedades: se han doblado el número de categorías pasando de nueve a dieciocho y se suman tres nuevos tutores (las comisarias Alexandra Laudo y Mónica Bello, y el artista Joan Casellas). La otra novedad es que el "Espai Cub" desaparece para transformarse en una sala más amplia con paredes blancas de 4×8m situado a la entrada de La Capella ("sala pequeña"). 

Las nuevas líneas que se han introducido se destinan a la producción de un proyecto curatorial para la sala pequeña para formatos reducidos o de archivo (1 proyecto), edición de una publicación (1 proyecto), proyectos en entornos digitales (2 proyectos), proyectos en vivo (3 proyectos), y se ha recuperado la añorada beca de investigación (2 proyectos).

El calendario preliminar de exhibición será en siguiente:

18 de julio–25 de septiembre 2017
Sala Gran (individual 1) + Sala Petita (individual 1)

11 de octubre–7 de enero 2017
Sala Gran (individual 2) + Sala Petita (individual 2)

23 de enero 2017–1 de abril 2018
Sala Gran (individual 3) + Sala Petita (individual 3)

27 de abril–24 de junio 2018
Sala Gran (comisariado) + Sala Petita (comisariado)

Los proyectos deslocalizados, de edición, de acción en vivo, digitales y de investigación se producirán y presentarán a lo largo de la temporada.

Barcelona producció es una convocatoria anual dirigida a la comunidad artística de Barcelona y su área de influencia. Es una iniciativa del Institut de Cultura de Barcelona (ICUB) del Ajuntament de Barcelona.
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Exposición y actividades programadas durante la exposición "La disidencia nostálgica" comisariada por Joana Hurtado Matheu en La Capella

(Arriba y abajo) Vista de la instalación con obra de Richard McGuire. 
Todas las fotografías: Pep Herrero/La Capella–BCN Producció 2016.


"La disidencia nostálgica"
3 marzo–30 abril 2017
Comisariada por Joana Hurtado Matheu

Con la participación de Francesco Arena, The Atlas Group / Walid Raad, Lúa Coderch, Roger Guaus, Marine Hugonnier, Odó Hurtado, Ange Leccia, Richard McGuire, Deimantas Narkevičius, Aimar Pérez Galí, Suzanne Perrottet, Julien Prévieux, Anri Sala, Adrian Schindler y Danh Vō.

En una sociedad obsesionada por la memoria –por el archivo, el monumento y el testimonio–, la nostalgia se ha convertido en un fenómeno público, un síntoma, incluso, de la cultura contemporánea.

No obstante, existen muchos tipos de nostalgia. La más omnipresente en la actualidad es una nostalgia regresiva y comercial, adoptada por las políticas conservadoras para establecer símbolos en honor a un pasado que se pretende heroico e inmutable, o convertida por la industria cultural en un objeto de consumo sin consciencia histórica. Pero existe otra nostalgia, una que va en sentido opuesto, que es disruptiva porque no conmemora ni banaliza el pasado, una nostalgia que aprovecha la perspectiva para reflexionar sobre la historia y, a través de este desfase físico y temporal, reconoce la interdependencia entre lo individual y lo colectivo, y puede recuperar así el vínculo entre la memoria y la utopía.

Hoy, contra la nostalgia absolutista o mercantilizada, contra el revival nacional y el souvenir neutral, se abre paso una nostalgia disidente, que explora las ambivalencias de experimentar distintos tiempos y espacios al mismo tiempo. Esta nostalgia que encontramos en la literatura y el cine modernos, de William Faulkner a Samuel Beckett, de Jean-Luc Godard a Chris Marker, también es motivo de creación en el arte contemporáneo. 


  Vista de la exposición "La disidencia nostálgica".

"La disidencia nostálgica" propone un recorrido por la obra de artistas que trabajan con el pasado como un espacio de resistencia y posibilidad creativa. Por un lado, reivindican una distancia crítica para visibilizar el peso del poder político en la interpretación de la historia, y por el otro, reconocen el poder afectivo como un saber personal y colectivo, que puede ser vivido, transmitido o soñado. 

Esta aproximación a la disidencia nostálgica se sitúa en un contexto más amplio, complejo y conflictivo: el de la lectura de la historia y la representación de la memoria. Es un tema de actualidad fuera de la exposición, ya que últimamente, en un intento por detectar faltas y reconstruir anhelos, hemos visto cómo el pasado vuelve –ya sea el 1714 o la Constitución española– a la hora de pensar futuros alternativos. ¿Pero en nombre de quién, cómo y para qué miramos atrás? 

– Joana Hurtado Matheu


Proyecto ganador de la convocatoria BCN Producció'16 en la categoría de comisariado. Tutorizado por Latitudes.

Joana Hurtado Matheu es escritora, comisaria e investigadora independiente, especializada en las relaciones entre prácticas artísticas, fotografía y cine. Coordina el programa de artes visuales de Can Felipa del Ayuntamiento de Barcelona y ha comisariado proyectos expositivos y cinematográficos como Heretgies (LOOP, 2016-2017), Catedrals a la capella (capella de Sant Roc, Valls, 2011-2013), Pop Up. Veure és afegir (CaixaForum, 2011), Efecte cinema (Can Felipa, 2009) o Cinergies (CCCB, 2008-2009). Profesora invitada en varias universidades y actual vicepresidenta de la Associació Catalana de Crítics d’Art, ha colaborado en el suplemento “Cultura/s” de La Vanguardia durante más de diez años, así como en varias revistas de arte y cine, catálogos y libros colectivos.

Con el apoyo de: Goethe Institut, Galeria Nogueras Blanchard, Filmoteca de Cataluña, CA2M y Fundación ARCO, Zumzeig, Boyberry, Hangar, Cafè Schilling.


Con la colaboración de: Centro de Arte Dos de Mayo, Galerie Chantal Crousel, Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, Galeria NoguerasBlanchard, Galerie Martel.


Agradecimientos: Elisabet Albareda, Latitudes, Juan Diego Valera, Èlia Llach, Eva Sòria, Alex Nogueras, Oriol Fontdevila, Aleix Plademunt, Eulàlia Rovira, Gemma Alberich, Manuel Segade. Y a mi familia –la que conozco, la que imagino y la que sueño–.



 ACTIVIDADES PROGRAMADAS:

Francesco Arena, Mare della tranquillità, 2013. Metal, madera, 500 x 178 x 75 cm y acción. Foto: Martin Argyroglo / Cortesia Galleria Raffaella Cortese, Milano, y NoguerasBlanchard, Barcelona/Madrid.

Superficie con linea, de Francesco Arena.
Cada día en horario de apertura de la sala.
Inscripciones individuales o por grupos de dos o tres personas en el punto de información de la sala y en: lacapella@bcn.cat
  
Una vieja mesa de madera sacada del comedor familiar, ha sido cortada en cuatro partes para hacer las esquinas de una nueva mesa mucho más grande. Ampliada con piezas de metal, sus medidas evocan la mesa donde, el 7 de mayo de 1945, se firmó la rendición alemana que pondría fin a la Segunda Guerra Mundial. La obra se acompaña de una acción –en esta ocasión, abierta a la participación– que consiste en caminar sobre la mesa un total de 155 km, la longitud del muro de Berlín. Con unos zapatos que no han pisado nunca el suelo y un contador en la mano, cada día, durante los dos meses que dura la exposición, alguien recorrerá la mesa de punta a punta 596 veces. Las decisiones que se toman alrededor de una mesa afectan el futuro a pequeña y gran escalera.

Aimar Pérez Galí, The Touching Community / Greenberg_1992, 2017. Acción. Cortesia del artista. 


Aimar Pérez Galí, The Touching Community / Correspondencia, 2017. Impresiones y tinta sobre papel y linóleo. Cortesia del artista. 

 The Touching Community / Greenberg_1992, de Aimar Pérez Galí 
Texto: Jon Greenberg. 
Acción: Óscar Dasí y Aimar Pérez Galí. 
Sonido: Tirso Orive
Sábado 25 de marzo, 12h en Boyberry (c/ Calàbria, 96)
Duración: 60 minutos 
Mayores de 18 años.
Plazas limitadas. Inscripción gratuita hasta competar aforo.
Reservas: lacapella@bcn.cat 
En colaboración con Boyberry. 

Aimar Pérez Galí investiga sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en el contexto de la danza española y latinoamericana. The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que a través de un diálogo con los fantasmas da visibilidad a una época y una comunidad. La acción que acompaña la instalación en sala, se apropia del Contact Improvisation, práctica de danza en la cual el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos y que contrasta con las políticas de inmunidad que aparecieron con el VIH. Un trabajo sobre la memoria, silenciada o transmitida, y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. 



Instalación de Lúa Coderch, "Nit en blanc abans", 2017. Vídeo digital, 4:3, monocanal, color, sonido, 11' 17". Cortesia de la artista y Galeria Àngels, Barcelona. 


Un viatge d’anada i tornada [Un viaje de ida y vuelta], de Lúa Coderch
Sábado 1 de abril, 10h en Moll de les Drassanes

Duración: 1h
Plazas limitadas. Inscripciones en: lacapella@bcn.cat
*Esta actividad puede resultar afectada por causas meteorológicas. 


La artista barcelonesa ha reciclado los muebles de casa para hacer una tarima, plegable y portátil, como una maleta, que acoge el vídeo de un relato escrito durante una noche en blanco. Los recuerdos son la base de nuestros sueños, cuando dormimos o cuando esperamos despiertos uno mañana que no llega. Sobre las distracciones y las distancias ganadas durante este “tiempo perdido” trata también la actividad que nos propone: un viaje de ida y retorno. Nieta de abuelos nacionales durante la Guerra Civil Española, su obra más nostálgicamente contestataria, donde aprende a cantar las canciones del bando republicano, sonará cada noche a la calle Hospital.

 Adrian Schindler, "3400 g - 1,100 °C", 2017. Instalación y vídeo. Cortesía del artista.

Der Rüstungsfluss / El riu armadura, de Adrian Schindler
Sábado 29 de abril, 18h en La Capella (c/ Hospital 56)
Plazas limitadas. Inscripciones en:
lacapella@bcn.cat
En colaboración con el Goethe Institut.

A través de la proyección de documentos históricos y fotografías personales, Adrian Schindler narra la historia y el papel estratégico de un puente sobre el Rin, construido cerca del pueblo de donde proviene su familia materna. Un puente que une la historia europea y la familiar en base de sombras y fragmentos, que nos traen desde las fronteras del imperio romano hasta los años de ocupación de los aliados, pasando por las guerras religiosas francesas y el Tercer Reich.

Vista de la exposición – performance de Francesco Arena. Foto: Pep Herrero/La Capella–BCN Producció 2016.

Ciclo de cine:

En la Filmoteca de Catalunya
Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, "En rachâchant". 7 min, 1982.
Eric Baudelaire, "The Anabasis of May and Fusako Shigenobu, Masao Adachi and 27 Years Without Images". 66 min, 2011.
4 de abril, 21h.

Deimantas Narkevičius, "The Role of a Lifetime". 16 min, 2003.
Patricio Guzmán, "Nostalgia de la luz". 90 min, 2010.
5 de abril, 21h.

Sandra Ruesga, "Haciendo Memoria. Entre el dictador y yo". 10 min, 2005.
Michel Haneke, Caché. 118 min, 2006.
6 de abril, 21h.

En el Zumzeig Cinema
30 de marzo y 13, 20 y 27 de abril.

Consultar cartelera.

Vista de la exposición – fotografía de Marine Hugonnier "Towards Tomorrow (International Date Line, Alaska)", 2001 

Vista de la exposición – obra de Roger Guaus. Foto: Pep Herrero/La Capella–BCN Producció 2016.

Visitas comentadas:

Visitas comentadas a cargo de la comisaria
Joana Hurtado Matheu
14 de marzo y 25 de abril, a las 18 h.

Visitas por la disidencia nostálgica de la exposición y de La Capella a cargo de Núria Miret y Judith López.
Cada sábado, a las 18 h.


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Documentación de la exposición "El Misterio de Caviria" de Antoni Hervàs en La Capella

Todas las fotos: Pep Herrero y La Capella/BCN Producció’16.

La exposición "El Misterio de Caviria" de Antoni Hervàs dibuja los escenarios para un espectáculo visual estilo copla-terror donde, siguiendo los rastros de la Barcelona canalla de los años 60–80, colisionan dos mitologías: la del cabaret barcelonés y la Grecia clásica. Una invocación a los Dioses del subsuelo siguiendo la tradición del rito cabirio en el que el fuego, la sangre y la ridiculización de lo masculino son los ingredientes esenciales que permiten conocer una historia local que es a la vez universal. Sigue leyendo...

A finales de enero se presentará una publicación conjuntamente editada por The Flames, el Ajuntament de Barcelona y La Capella que incluirá una entrevista entre el artista y Latitudes, tutores del proyecto, así como documentación fotográfica de la exposición y de las actividades programadas.

La exposición "El misterio de caviria" se puede visitar en La Capella (c/ Hospital 56, 08001 Barcelona) hasta el 13 de noviembre 2016. El proyecto se enmarca dentro de la temporada BCN Producció'16.























Fotos: Pep Herrero/La Capella-BCNProducció'16.

Antoni Hervàs (Barcelona, 1981) estudió Bellas Artes en la Universitat de Barcelona (2006) y realizó un ciclo en grabado y estampación en Escola Llotja. Entre sus recientes exposiciones individuales destacan “Hércules en la luna”, Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona (2012); “Kakanoures i kitschades”, galería SIS, Sabadell (2015) y “Agón”, Galería ETHall, Barcelona (2016). Hervàs ha participado en numerosas colectivas entre las cuales se incluyen “Capítulo II. Huidas. La ficción como rigor” dentro del ciclo “El texto: Principios y Salidas”, Fabra i Coats Centre d'Art Contemporani de Barcelona (2014); “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo”, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2016) y “Deshaciendo el texto”, La Casa Encendida (2016). Como parte de su práctica artística Hervàs ha dirigido “Fénix” (2013–16), el programa educativo del centro Sant Andreu Contemporani involucrando a diversos artistas de la ciudad en sus varias fases. Además ha realizado numerosos proyectos editoriales autogestionados como “Grapandmopotheper” (2009), “Tributo a Ray Harryhausen”, DeGénero Ediciones (2014) o “La trama” para Mataró Art Contemporani (2015). Asimismo ha comisariado exposiciones periódicas como “Doméstica” junto a Ariadna Parreu (desde 2009) y eventos performáticos como “Mercuri Splash” junto a David Bestué para la Fundació Miró (2015). En el 2010 recibió el Premio INJUVE a la Creación en la categoría de ilustración.

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